VideO CueVa LumiNiSceNte 2

http://youtu.be/H-0CSANjJxQ

Sensación "HORROR VACUI" ~ ChamanismO

Para darle una explicación a esta sensación “horror vacui” hay que conocer acerca del chamanismo, y llegar a comprenderlo desde una postura interna ya que es complicado. La palabra chamán proviene del idioma tungu que significa “saber”. Estas personas adquirían su conocimiento a través de la herencia y una serie de pautas para su preparación. Se originaba en las tribus y actualmente aún quedan atisbos de estar personas en ciertas zonas de la selva amazónica, Oceanía, Ásia, África y Ámerica. Se le atribuye a este individuo la capacidad de modificar la realidad o la percepción colectiva de ésta, de maneras que no responden a una lógica casual. Esto se puede expresar finalmente, en la facultad de curar o comunicarse con los espíritus y de presentar habilidades visionarias y adivinatorias. Cumplen los chamanes un papel central en las comunidades cazadoras y recolectoras, como depositarios de sabiduría. Se ha dado el caso de tener la capacidad de curar ciertas enfermedades incurables y alguna mental como la depresión, utilizando raíces, hierbas y sustancias vegetales, o algún tipo de placebo. Sus facultades se deben a un duro entrenamiento impuesto (largos ayunos, retiro…) y en algunos casos por la ingestión de alucinógenos. Cuando los chamanes quieren alcanzar el éxtasis se someten a este tipo de cosas. Esa sensación “horror vacui” es necesaria en su cultura, la estética con la que cubrían sus cuevas era de este modo, lo cual tiene su sentido, el chamán entraba en éxtasis y los dibujos representados le ayudaban en su trascendencia, en llevar a cabo su poder, ya fuera por entrenamiento o por ingestión de peyote, pero es de relevancia considerar el “horror vacui” como una de las características esenciales que hacían que esta acción fuera posible. El estar su alrededor impregnado por completo o casi por completo ayuda a aflorar la alucinación, y con ello el éxtasis. • Los espíritus existen y juegan un importante papel tanto en las vidas individuales como en la sociedad humana. • El chamán puede comunicarse con el mundo de los espíritus. • Los espíritus pueden ser buenos o malos. • El chamán puede tratar enfermedades causadas por espíritus malignos. • El chamán puede emplear técnicas para inducir trance para incitar éxtasis visionario. • El espíritu del chamán puede dejar el cuerpo para entrar en el mundo sobrenatural para buscar respuestas. • El chamán evoca imágenes de animales como guías de espíritus, presagios, y portadores de mensajes. El entrar en trance le permite al chamán entrar en un estado psicológico en el que se abandonan ciertas condiciones externas o internan y experimentan un estado de conciencia diferente. De este modo el chamán alcanza la iluminación, que le permite adquirir sabiduría o entendimiento, acompañado de una sensación de plenitud tanto intelectual (buscar respuestas y llegar a un esclarecimiento mental) como espiritual que es la experiencia de lo divino, sentir la presencia de Dios. Esta experiencia se manifiesta en paz, amor, felicidad o sentido de unidad con el Universo, un esclarecimiento interior que puede ser místico o no…

VideO cueva Luminiscente

http://www.youtube.com/watch?v=ZiBjtJDHWiQ&feature=youtu.be

CONCLUSIONES DE MI PROYECTO Y RESULTADO FINAL

PANORÁMICA CONCLUSIONES He llegado a la conclusión de que esto que he hecho me ha ayudado a concebir mejor el espacio, a comprender a nuestros antepasados, y a buscar las soluciones necesarias para expresarme. Tengo que decir que admiro al hombre antiguo, porque, sin más material que sus manos y lo que la naturaleza le da, supo captar su alrededor, supo plasmarlo de la mejor manera posible y siendo fiel a sus sentidos. Yo he tenido la facilidad de poder coger una brocha y una pintura ya hecha de fábrica, mis escaleras, ayuda de mi hermana y su novio a la hora de obtener más manos y que haya variedad de tamaños…pero ellos no…ellos dependían del pelaje de los animales, de los pigmentos, de la sangre, de las plantas, pero debían fabricárselo ellos. Tenemos suerte pues, dentro de lo que cabe, de haber nacido en esta época donde se nos facilitan las cosas…lo malo de eso es que la vida moderna es una selva, fabricada por el hombre que nos facilita las cosas pero no su disfrute…quién viviera en aquellos tiempos, aunque con menor esperanza de vida, pero poder degustar las cosas que la naturaleza nos ofrece, vivir el día a día, el Carpe Diem…disfrutar de lo que necesitamos en el momento, aunque cueste trabajo, pero satisfacernos hasta con ese esfuerzo que nos proporciona una cosa u otra. PANORÁMICA El realizar este trabajo ha sido una experiencia única, no he podido hacerlo e una cueva real, pero la he recreado, he podido sentir una pequeñísima parte de lo que sentía el hombre de Neanderthal, he disfrutado como una niña chica; si bien es cierto ha habido momentos complicados, tensión en lo alto de las escaleras, formas que no había manera de concebir su esencia, dolor de ojos (debido a la luz negra tanto tiempo viendo con ella), pintura hasta en las orejas…pero con creces he de decir que me ha merecido la pena, al fin mi mundo se ha creado, solo en una pequeña porción de mi casa, pero eso me ayudará a seguir convirtiendo mi casa, en mi hogar apacible, en mi gran obra de arte… LUZ NEGRA OSCURIDAD LUZ NEGRA PANORÁMICA

En este trabajo hay que ser muy sintético porque en aquel entonces no se concebían las cosas como ahora ni hay el material que ahora se nos proporciona, de modo que me es difícil con lo aprendido en dibujo y anatomía, lograr representar al cuerpo humano con el mínimo número de elementos posibles que determinen con claridad que ese cuerpo humano está haciendo tal acción. Gracias a mi pequeño conocimiento de síntesis anatómica adquirida el cuatrimestre pasado he podido resolver el problema, pero aún así cuesta, porque lo representado suele estar en movimiento (que es lo que estamos dando a final de curso y muy por encima en dibujo). Por lo demás no he tenido problema ya que he ido adaptándome al espacio desde un principio y procurando no dejar mucho hueco de “cueva”. PROCESO El primer problema ha sido el convertir una habitación cuadrada en algo curvo e irregular. Lo he conseguido a base de grapar maya metálica según mis requisitos. Después convertir todo en algo que parezca roca. Pues bien, papel continuo a destajo e ir grapando según la forma que se quiera dar y arrugándolo antes lo suficiente para que de forma pero tampoco deje de tener consistencia para lo que viene después. Posteriormente preparamos la pintura fosforescente de Mongay (que es muy cara) y como viene muy espesa y funciona muy bien si se diluye en agua, la diluimos para no gastar demasiado y que tampoco quede muy contundente lo que se vaya a pintar. Si la aplicamos directamente no queda igual de bien, brilla demasiado y nos costará trabajo aplicarla, aparte de que gastaríamos tontamente. Aplicamos con pinceles de diferente grosor pero los trazos han de ser decisivos y seguros pues no hay manera de borrar, con lo que se ha de practicar un poco antes la figura a pintar para memorizar el trazo. Es importante tener la luz negra encendida porque si no, no vemos; y hacer descansos entre hora y media o dos horas ya que esta luz en la discoteca está muy bien pero cuando se está concentrado y forzando la mirada medio en penumbra medio en luz fuerte nos puede dañar los ojos y es bastante molesto. Para pintar las manos en positivo mojamos en una bandeja de pintura las manos y las plasmamos con cuidado. Para hacerlas en negativo, o compramos un spray del mismo material o más rústico aún: mojamos la brocha y espolvoreamos en la mano que se posa con un cartón, de esta manera es más complicado e incómodo pero el resultado es óptimo y no tan homogéneo que con el spray que queda demasiado artificial, recordemos que es una cueva de tiempos pasados donde un spray seria un artefacto inexistente. Para pprotejernos los ojos del salpicado recurrimos a cualquier tipo de gafas, en mi caso, las de sol bastarán.

Proyecto pintura III: "Antepasados luminiscentes"

PROYECTO PINTURA III “LA CUEVA LUMINISCENTE” Introducción: En este trabajo quiero intentar representar un espacio, una instalación artística en la que parezca estar en una cueva. Pero no una cueva cualquiera, una cueva en la que sus pinturas rupestres brillan en la oscuridad, sus representaciones de animales, personas, anécdotas y demás son incandescentes en contraste con el fondo apagado. Me ha costado mucho relacionarlo con algún otro artista que hubiera hecho la misma técnica, el caso es que no hay ninguno que yo conozca y que sea conocido por los demás. Tengo un compañero que está trabajando con ella, pero su trabajo no tiene nada que ver con el mío. Como artista conocido, en todo caso, podría relacionarse con Bruce Nauman que trabaja con luces de neón a de más de muchas más técnicas y estrategia, también Dan Flavin trabaja con este método, pero también son muy minimalistas a la hora de crear. Son sintéticos, su trabajo es sobre todo la construcción de esculturas mediante tubos de neón (que en mi caso será luz negra) que generan un ambiente determinado y propician cambios en la percepción visual. Bruce Nauman Dan Favin ¿EN QUÉ SE BASA MI PROYECTO? En este proyecto he querido recrear lo que sería una cueva de un pueblo nativo diferente a nosotros, con otro idioma, otras tradiciones, y por supuesto otros materiales con los que expresarse plásticamente. Y que viven bien y a gusto conforme a la naturaleza. Hago esto porque me gustaría haber podido vivir así, aunque hubiera vivido menos tiempo debido a la esperanza de vida; pero considero que, si viviéramos como entonces y con los conocimientos de ahora, el mundo sería perfecto (no es posible, a la vista está) viviríamos en armonía, en paz con nosotros mismos y felices de estar aquí. Aquí me veo yo una ideología un tanto Gaugginiana, por eso del Carpe Diem, de vivir el día a día con los bienestares que nos proporciona la naturaleza (por eso marchó a Tahití), y no dejarnos llevar por las comodidades y facilidades que nos aploman hoy día, pues nos convertimos en sedentarios que no valoran lo que había antes que todo esto, y que prefieren darle a un botón y ya esté todo hecho… Me he basado para las representaciones en grupo en las cuevas de Lascaux y de Altamira, ya que, si viviéramos como supuestamente vivían en aquellos entonces, haríamos lo mismo para subsistir: cazar, reproducirnos, compartir unas creencias…también me he basado en cuevas africanas para poder representar más etnias y que todo fuera como debería ser, todos viviendo en comunidad, unas razas con otras, sin guerras ni ataduras que nos impidieran vivir conforme a la naturaleza. En la cueva ha de haber variedad de todo, tanto de fauna como de raza humana para simular una pequeña y posible utopía. También he aprovechado los salientes de las “rocas” (creadas con papel continuo) para crear volumen en lo representado. He recurrido a simbología maya y africana para crear un ambiente más ambiguo y completo. También he inventado simbología he idioma para darle un toque personal propio de cómo yo pintaría si estuviera en aquellas condiciones, qué me caracterizaría…

Documental: Jason de Caires Taylor

http://www.youtube.com/watch?v=cxM0RPFO5eI

Comentario del video de MAURIZIO CATTELAN

Sus satíricas esculturas están plagadas de humor negro. Con la técnica de cera representa cuerpos y animales con alto grado de realismos en situaciones imposibles, dotadas de surrealismo. Juega con la escala de las cosas cotidianas que nos rodean, personajes conocidos, no conocidos y hasta con él mismo. Ha hecho numerosas obras de autorretrato en las que aparece en diferentes tamaños, con distinta vestimenta y en situaciones dispares, como por ejemplo, su retrato integrado en el traje de fieltro de Joseph Beuys, o su autorretrato en un triciclo de niño pequeño en el que la escultura está dotada de un mecanismo interior que le aporta movilidad (como la de un cochecito de gasolina, dirigido por un sujeto), es muy común en su obra encontrar autorretratos llamados por él “miniyo”. También destaca su “niño que no hacía surf” en el que se representa un niño sentado en un pupitre con las manos clavadas por dos lápices al pupitre, y encapuchado mirando hacia una ventana; no sabemos con certeza que quiere representar, pero llena de vida los alrededores de la ciudad en la que trabaja. Su trabajo es insólito, ingenioso y da que pensar. Muchas veces juega con la idea de unir la muerte con la vida, como por ejemplo su “ardilla suicidada” en la que, mediante un animalito tan activo y vivaracho como es la ardilla se representa un suicidio de ésta misma, mostrando a la ardilla sentada en una silla desplomada sobre una mesa, en el suelo una “minipistola”, un vaso de agua en la mesa y un fregadero lleno de platos sucios, la idea alude a la muerte y la vida, ambas unidas en una curiosa armonía humorística y sátira. Por lo que detectamos tiene un fuerte poder de persuasión, pues consigue innumerables veces que la gente adopte posturas extrañas para la realización de sus obras, con lo cual sabemos que estamos hablando de un artista con alto nivel de convicción. Se trata de un artista bastante extravagante y raro, hable con quien hable actúa de manera extraña y le toma el pelo, él mismo necesita mofarse de él, no se toma la vida muy en serio, de modo que nadie está a salvo de su humor negro, ni siquiera él mismo; para poder estar con él es importante que seamos capaces de tomarle el pelo, que no nos sintamos cohibidos pos su presencia y que nos pongamos a su altura, a la altura de un “cachondo mental” que no deparará en ponerte en ridículo y que debemos actuar de la misma manera con él. Respondería, dadas estas características en pro de la filosofía de Arthut Danto, pues se burla de sí mismo y del arte en general, lo que no le impide ser uno de los grandes artistas contemporáneos. La obra de Cattelan remite al arte tradicional italiano. Su manera de concebir la obra a modo de instalaciones artísticas, que pueden angustiarnos, extrañarnos o hacernos reír, pero todo bajo un modo de ver la vida como una “guasa”, al ver su obra pensamos: ¿cómo es esto posible?o… ¿qué narices…? Todo se descoloca, no encaja, es anormal; a veces cargado de humor, otras de crítica social, todo bajo un efecto mágico, imposible. Hace entrar al espectador en confusión, en un posible delirio…¿qué he tomado yo antes para estar viendo esto? Su obra es una metamorfosis de la realidad sin ser realidad misma, la realidad con un toque de trastorno, un vuelco a lo normal que nos hace pensar que podría ser verdad lo representado dado que lo estamos viendo con nuestros propios ojos. Otra de las peculiaridades de Cattelan es su uso de un “suplente” en las entrevistas de medios de comunicación equipados con un balance de respuestas evasivas y explicaciones sin sentido, que no sabemos definir si se trata de un rechazo, una conversación incoherente, o una obra de arte en sí y que sucede de forma espontánea y de la que somos partícipes dejándonos llevar por sus extraños argumentos. El arte de Cattelan se burla de los diferentes sistemas de pedido y utiliza a menudo temas y motivos de arte de los sectores culturales del pasado y otra con el fin de obtener su punto a través. La obra de Cattelan pretende dar a conocer la naturaleza incongruente del mundo y de nuestras intervenciones dentro de ella sin importar dónde se puede mentir (como el niño que toca el tambor en lo alto de un edificio, y toca el tambor porque es mejor que la guitarra, según Maurizio). Su trabajo se basa a menudo en juegos de palabras simples o subvierte las situaciones de clichés, ie: la sustitución de los animales a las personas en cuadros escultóricos. Con frecuencia mórbida fascinante, humor negro Cttelan pone su trabajo por encima de la bien hecha visual de una sola línea. Maurizio Cattelan es descrito como uno de los grandes artistas post- Duchamp y un “listillo”, también.

Proyecto pintura: "CALL OF DUTY" (LA LLAMADA DEL DEBER)

JUSTIFICACIÓN Mi obra, ciertamente, no he podido encajarla perfectamente con lo “ ya existente”, pero sí es cierto que existen dos artistas, cuya técnica me impresionó cuando los “conocí”. Su manera de trabajar el precisamente la misma que la mía en este trabajo llevado a cabo. Se trata de Juan Muñoz y George Segal como escultores. Juan Muñoz fue uno de los contemporáneos más nombrados en el territorio español, su obra escultórica es de las más innovadoras ya que desde la década de los 90 comienza a trabajar la narrativa en la escultura a través de sus instalaciones, rompiendo con la escultura tradicional española. La obra de Muñoz implica además una interacción con el espectador: las figuras monocromáticas que comienzan a aparecer en cada pieza, conforman conjunto en sí mismas y casi en las mismas dimensiones que las de la persona, invitan a relacionarse directamente con el relato que cuentan en su disposición. Otro elemento perturbador en las instalaciones de Muñoz es la impersonalidad de las figuras a través del uso del gris plomo o la cera. Por otra parte, Goerge Segal fue un pintor y escultor estadounidense, relacionado con el movimiento “pop art”. Crea imágenes tridimensionales de tamaño natural, en las que aparecen personajes y objetos reales en situaciones cotidianas: Hombres cambiando la cartelería de un cine, personas sentadas en una plaza, en un bar…Las figuras son extraidas de un molde realizado a partir de un modelo vivo , una técnica inventada por Segal. Realmente fue una alumna suya la que le dijo que su padre farmacéutico poseía un género llamado “vendas de escayola” la cual era de módico precio y permitía que el detalle de lo escayolado apareciera y perdurara (gestos de la cara, defectos considerables, uñas, cejas, etc ). Las figuras blancas presentan por lo general un acabado tosco e incompleto, de formas vagas e imprecisas, creando un ambiente de desolación y misterio. Su trabajo, por la comunicación de los sentimientos melancólicos que trasmite, va más allá de la impersonalidad del pop art. Ambos artistas y su obra, contienen un trasfondo. Sus figuras suelen aludir a individuos autómatas, encerrados en una sociedad banal, en la que todo el mundo es ajeno a los problemas de prójimo. Suelen estar dispuestas esas figuras de tal modo que parece una forma de protesta ante la sociedad, que no se da cuenta de lo que le rodea, que vive en el egoísmo y encerrada en sí misma. Encontramos en sus obras que las figuras son individuales en su conjunto, que a veces interaccionan, pero no lo suficiente como para que haya un acercamiento pleno. OBJETIVOS Y CONTENIDO DE MI PROYECTO Podríamos decir que mi trabajo pertenece un poco al “Land art” y tal vez al “pop art”, pero es difícil encasillarlo. Mi intención es la de crear un grupo de zombies, zombies que resurgen de la tierra sedientos de vida humana, cómo nosotros en esta sociedad, o al menos yo. Vivimos en un mundo, en el que estamos muertos, dependemos del tiempo, el trabajo, las obligaciones, los medios de comunicación, la publicidad, y, a penas tenemos tiempo para vivir la vida como Dios manda. Estamos condicionados por lo que nos rodea, de modo que actuamos como zombies, en una sociedad repleta de lo mismo. A no ser que nos vayamos a otro lugar del planeta, dónde se vive de la naturaleza y en torno a ella, estaremos esclavizados, cautivos por un mundo moderno en el que todo es artificial y construido por el hombre, todo es falso y arbitrario. A penas nada de lo que nos rodea proviene directamente de la tierra, nos convertimos en seres muertos en vida…cuando ya estamos consumidos por la realidad, despertamos de nuestro letargo y nos revelamos, aún sabiendo que ya es demasiado tarde. Esta obra representa lo que somos y lo que seremos a la vez. Somos lo anterior ya citado, pero hay más…tanto estamos dañando el planeta que corroboro este futuro; el que acabemos tan contaminados por nuestros propios residuos que acabemos muriendo y resucitando después, resucitando como seres repugnantes, que brillan de la mierda que llevamos encima, de los despojos y residuos que hemos tragado. Seres decrépitos, vagantes de las tinieblas, impersonalizados, pues ya no sabemos ni quiénes somos, ni qué éramos ni hasta dónde llegamos…qué fue de nuestra vida, a qué nos dedicamos o qué queremos en particular para ser felices…no sabemos nada, andamos divagando en nuestros actos sin nada en concreto que alcanzar, esto último es también debido a lo que la sociedad nos ha brindado, si unos pocos tienen el poder y son dueños de nuestras vidas, no podemos hacer más que ser sus marionetas y cumplir sus mandatos, el ser humano ya actúa sin esperanza ni remedio. El ser humano, en vez de poner fin y revelarse ante todo esto…se sumisa ante la situación, no importándole su devenir, su futuro. De este modo encontraríamos dos facetas en mi instalación/ escultura: por un lado la de los seres autómatas que somos, comportandonos como marionetas ante la sociedad, muertos en una realidad que nos consume, y sin hacer nada al respecto, resucitando de la putrefacción de ser lo que somos; por otro lado, la protesta ante el destrozo del planeta que estamos generando nosotros y nada más que nosotros, la cantidad de contaminación, residuos y despojos que, por qué no harían mutar al ser humano en una horrible bestia despiadada (que ya somos) que surge de la tierra que él mismo ha creado, con ansia de vida y de un “volver a empezar” que ya jamás podrá retornar, y todo debido al daño irreversible que estamos causando. Digamos que esta obra corresponde a un “Land Art”, porque se ubicará en tierra, es decir, en un campo, clase, espacio rural o urbano donde su mensaje pueda ser transmitido de una forma u otra, de modo que estará en relación con la naturaleza o el entorno donde será situado, para realmente parecer que resurge de nuestro alrededor, de donde normalmente estamos, vivimos, estudiamos o trabajamos, de esta forma de hace patente el “nadie está a salvo”. Por otro lado, la obra proviene directa de un cuerpo humano vivo con lo que se refuerza su significado, son personas reales que han estado atrapadas ahí, en esos moldes, ya han salido de ellos pero… ¿se han liberado metafóricamente hablando? Creo que no, dado que son como otros tantos humanos que nos rodean degustando el problema que nos invade por el momento a todos. Ellos han salido de su carcasa, han compartido conmigo la experiencia de ser escayolados, encerrados, han sido liberados por mis manos, de un molde, pero no de la realidad que nos circunda, de modo que siguen atrapados, no se sabe por cuánto tiempo…sólo ellos mismos son capaces de darse cuenta y decidir, solo que yo no se lo voy a decir. Mi objetivo es hacer reflexionar al espectador, intentar que por sí solo llegue a estas respuestas, que piense en quién es, qué está haciendo con su vida y tema por el futuro que se avecina, que todo el misterio y el ambiente siniestro de la obra haga recorrer por sus venas un pavor que, a consecuencia de ser pensado y sentido, lleve a cabo una conducta de salvación, de querer salir de esto que nos invade. Digamos que psicológicamente hablando es de mi parte un castigo que se torna en refuerzo; castigo porque es así como acabaremos, o tal vez como ya estamos sin habernos dado cuenta, es un castigo vivir como autómata, estar muerto en vida, vivir esclavizado, haber condicionado nosotros mismos tal destino…y se torna en refuerzo ya que es una lección visual, un anticipo de lo que podría pasar, y al conocerlo poder aún tomar medidas, un regalo de la verdad, por cruda que sea, que hace reflexionar y empezar a decidir mejor por nuestras vida, a pensar en lo que es mejor para ellas, a no darlo todo por perdido, a conseguir un atisbo de esperanza, esperanza que tal vez ya no exista, pero por la que aún hay que luchar. METODOLOGÍA Este trabajo se realizará con vendas de escayola, de farmacia para evitar erosiones en la piel de la escayola de construcción, dado que hay que escayolar partes del cuerpo delicadas como la cara y el cuello. Ese será el material principal. Hemos de contar también con personas que estén dispuestas a someterse a semejante trabajo, es complicado, ya que no todo el mundo tiene tiempo ni está dispuesto a ello por temor a su salud, o que pueda quedar atrapado o pegado. En este caso, el contar con gente voluntaria que participe, es primordial y complicado, ya que dependo de ellos para realizar los moldes que serán posteriormente los zombies que resurjan a nuestro alrededor, y no todo el mundo se presta a ello sin cobrar nada. Como me ha costado trabajo contar con más de 3 o 4 personas, he decidido repetir molde en la misma persona, una persona que tuviera más tiempo y que estuviera dispuesta a ello sin reparo alguno. Una de ellas y la cual ha reiterado la experiencia ha sido Pablo Lorente, con el cual, sin su ayuda, esto no hubiera sido nunca posible. Otras personas que han colaborado han sido, mi amigo Iván, Elena Díaz Liljestrom (que también realizará un trabajo con la misma técnica para materiales alternativos) y María Peinazo, amigas y compañeras de clase; por supuesto yo misma no podía faltar en mi obra, hay una pieza que pertenece a mi brazo la cual ha realizado Pablo. En definitiva, el material necesario y primordial es: vendas de escayola y humanos que se presten a mi trabajo a realizar. Y La técnica, figuras de escayola mediante molde en vivo. En este caso no ha sido necesario hacer maqueta previa ya que resultaría muy costoso (más de lo que ya ha sido) y no existen personas de semejante tamaño, de modo que mis fuentes se han basado en ver películas e imágenes por internet que me dieran idea de las poses que tenían que adoptar los modelos para conseguir un cuerpo desencajado que resurge de la tierra con ansia de salir. De manera que hay que forzar la postura, mantenerla lo más intacta posible, con el rostro desencajado y actitud vagante (vamos, que hay que intentar meterse en el papel). UBICACIÓN DE LA OBRA Realmente no he pensado que esto pueda ser muy tolerable en ningún lugar común de la sociedad, porque creo que no va a ser muy bien recibido por la gente de generaciones inferiores a la mía (como abuelos, o padres; y dado que la mayoría de población por desgracia en España es de la tercera edad y aún muy retrógrados en ideas). Sí que me gustaría que fuera ubicado en los jardines de casas de gente con mucha vida social, es decir, que sus casas sean muy visitadas, y debido a eso pueda ser vista por gran número de personas. Que sólo el poseedor de la obra supiera su significado y al preguntarle sus visitantes e interesados, todo esto fuera explicado y se fuera divulgando de manera sutil pero progresiva por todos los conocidos de ese poseedor de la obra. Por otra parte, un posible lugar público que fuera digno de contener mi obra, podría ser el Parque García Lorca: es un lugar tranquilo y visitado, sobre todo por gente joven y niños. Lo idóneo sería que hubiera una plaquita al lado de donde se ubica la obra que explicara su intención y que padres tradujeran a hijos en palabras entendibles para ellos cómo actuar de la mejor manera posible en esta vida para nuestra propia conservación y la del planeta, y que relacionaran sus vidas con ello, quiénes somos, a dónde vamos, qué hacemos con nuestra vida y cúal es la mejor manera para llevar a cabo todo ello. El parque García Lorca creo que es el lugar ideal, me gusta mucho, siempre hay mucha vida ya sea de fauna o humana, y sería una manera de contrastar la vida con la muerte y la destrucción del ser humano (por él mismo) y el planeta (por nuestra culpa). Contrastaría en ello y en paisaje, cómo dentro de algo tan bello se esconde o contiene algo tan espantoso, tan terrorífico…dentro de ese parque hay una historia, una historia terrorífica camuflada con los hermosos poemas del escritor Federico. Y pronto todo esto que pasa a nuestro alrededor será historia, historia oscura, corrompedora de nuestro maravilloso planeta y de la propia existencia del ser humano, camuflada en comodidades, tecnologías, ciencia intolerable, facilidades, y demás cosas que hacen que todo esto parezca un paraíso que realmente está plagado de fieras y artefactos dañinos. Esa historia quedará en la memoria de quienes nos preceden cuando tengan el placer o la desgracia de quedarse con lo que le hemos dejado. No podemos prever qué es lo que pasará, pero si podemos intentar cambiarlo, solo hace falta VOLUNTAD de cada uno de nosotros mismos y con nosotros mismos. Si todos tuviéramos un poquito de corazón como el que tenía Lorca, todo esto sería diferente, mejor… RESURGEN DE LA TIERRA... CONCLUSIONES He reflexionado sobre esta obra suficiente como para que todo lo que parece una paranoia tenebrosa se torne en algo con sentido, en algo profundo. Creo que, después de mi árbol con brazos…es mi segunda mejor obra. Estoy muy satisfecha con el resultado, he tenido mucha suerte en haber conseguido realizarlo, porque dependía de más personas y finalmente me han ayudado más de las que yo pensaba y hasta con ilusión de poder participar. Estoy muy agradecida a esas personas, porque sin ellas, esto no habría sido posible, o si…per con mucha mayor dificultad y un resultado bastante peor, e incluso me habría faltado tiempo; pero finalmente se ha hecho posible. Estoy muy contenta, pero quisiera que esto, si fuera expuesto, fuera bien recibido y comprendido. Sé que gusta y aterra a la vez, pero no quiero que sólo sorprenda, sino que también se entienda mi postura, y que, llevado un rato meditando ante la obra el espectador, llegue a sus propias conclusiones, que estoy segura de que no se alejarán mucho de mis intenciones.