ESCULTURAS Y DEMÁS...

"A BOCADOS"

"A CONCHAZOS"

"PÁJAROSS EN LA CABEZA"

GRAFITO 100 X 70 MODELO DEL NATURAL

MIS COSILLAS

PAPEL ACUARELA A3 AUTORETRATO, RESOLUCIÓN POR PLANOS, GOUACHE (ESPESO Y DILUIDO PARA TEXTURAS) 2010

PAPEL ACUARELA 50 X 70 COMPOSICIÓN DE COLORES TIERRA "OTOÑO", TINTA PLANA, GOUACHE 2010

TRONCO HÚMEDO CON PELOTA DE TENIS INCRUSTADA Y DESINTEGRADA POR LOS AÑOS, DELANTE DE UNA OBRA DE MADERA PARA PARED DE CAYETANO ANÍBAL(55 CM APROX- TRONCO) "METAMORFOSIS" "TEMPUS FUGIT" 14 AÑOS (RECUPERADA EN 2012 EN MI CASA)

DIBUJOS DEL NATURAL Y DE ESTATUA

INGRES 100X70 MODELO NATURAL DE CLASE, SANGUINA, 6 HORAS 2012

INGRES 100X70 MODELO NATURAL DE CLASE EN ESCORZO, GRAFITO 6 HORAS 2011

PAPEL CEBOLLA 100X70 MODELO DEL NATURAL, ANATOMÍA EN ESCORZO, MINAS DE COLOR 8 HORAS 2011

INGRES 100X70 ESTATUA "TORSO DE BELVEDERE", CARBONCILLO 6 HORAS 2010

PAPEL TONO MEDIO 100X70 ESTATUA CLASE, CARBONCILLO Y CONTÉ BLANCO 6 HORAS 2010

BASIC A3 CRANEO HUMANO, ESTRUCTURA OSEA, GRAFITO 1 HORA 30 MIN APROX 2011

Un poquito de cultura no está de más...

http://www.youtube.com/​watch?v=zWXIW4ji0J4

Resumen: ARTHUR DANTO Y EL FIN DEL ARTE

Danto, con influencias hegelianas, defiende la idea de que hay una era antes del comienzo del arte y después de este. Antes de 1400 d. C hubo de haber una época en la que aún no se había consagrado el concepto de arte en sí, todo ese arte anterior no había madurado como tal y necesitaba encontrarse a sí mismo, con lo que , llegado el 1400 d. C comienza a aflorar y consolidar su propia esencia, a tener conciencia del Espíritu y ser el vinculo de la VERDAD. No se trata de una “muerte del arte”, se sigue produciendo más arte, pero éste ya no va más allá, no se establecen narrativas que modifiquen o innoven el sistema, las grandes narrativas ya no son posibles porque el concepto de historia en el que el arte buceaba ha desaparecido de su propio mundo, el mundo del arte. El arte ya no es pretender lograr representar la verdad de las cosas, sino la técnica de pintar en la vertiente más científica, el valor de los materiales, indagar en ellos y no en la Verdad, aunque sí que haya artistas que sigan poniendo en obra la verdad que le viene. A consecuencia de esto, el arte en los museos ha pasado a ser unos determinados objetos puestos en una determinada ubicación, que defienden una tesis o lanzan al espectador algún mensaje crítico, en vez de ser un arte con unos determinados cimientos de narrativa que responda a unas leyes anteriores. FILOSOFÍA Y ARTE. MODERNIDAD POSMODERNIDAD Y CONTEMPORANEIDAD: LA CONCIENCIA POSHISTÓRICA. Danto considera que la Modernidad comienza a partir de la presencia de Descartes en el ámbito de la filosofía, con el “ Yo pienso, luego existo” , en la que el ser humano comienza a razonar y reflexionar sobre su propia capacidad con la que está y se ve obligado a pensar sobre las cosas; la estructura del pensamiento humano es el centro del Universo, ahí es donde se establece la crítica de comprender qué somos y cómo es el mundo. La filosofía moderna todo ello lo vuelve central. El modernismo es pues, un método característico de una disciplina para autocriticarse, para consolidarse en su área de competencia. Por eso se considera a Manet el Kant de la pintura modernista, porque fue el primero que dejo ver en su obra, que la superficie que estaba tratando era plana, y que a base de planos y pinceladas perceptibles, se podía concebir también una escena teatral, o una figura humana… Danto nos reconoce que Greenberg es el máximo exponente de la modernidad. No debemos considerar el término modernidad como si de otro cualquier movimiento se tratase como por ejemplo el arte gótico, o cualquier otro; no podemos encasillarlo, ya que es algo más que eso, es un nivel superior en el que se toma conciencia de lo establecido y toma las riendas de su propio destino. Es como si el cuadro no se tratase ya de una mímesis de lo real y perceptible para cualquiera, sino de una visión interior y personal. Van Gogh y Gauguin responderían para Danto a estos principios a la vez que señala que la modernidad significa tanto en arte como en filosofía una noción de estratégia, estilo y acción. Posteriormente se hace notable la intención de un arte nuevo, una nueva filosofía y nueva forma de vivir, el momento contemporáneo. Danto los localiza entre los 60 y 80, y dentro de este un periodo posmoderno que es perfectamente reconocible. Las cosas han cambiado, han llegado materiales nuevos a las manos de los nuevos y contemporáneos artistas, no se establece debido a ello intención narrativa, con lo que ya tan solo queda que los artistas dominen los nuevos materiales que van surgiendo y que se tome conciencia de su dominio en un momento dado, para que así resurja una nueva forma de arte. El arte conceptual ha demostrado que no es necesario que haya un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte. Ya no es posible ejemplificar a través del arte, cualquier cosa puede ser obra de arte y si pretendiéramos cuestionarlo habría que dar un giro desde el núcleo del asunto, habría que replantearse de nuevo una filosofía que cambiaría la raíz de las cosas. Es cuando entonces se establece una verdadera filosofía general del arte. El arte ahora es libre de experimentar donde quiera y a donde vaya a parar y a consolidar, ya se ocupará la filosofía de interrogarlo y darle un sentido. LA VERDADERA NATURALEZA DEL ARTE. DE LA ESTÉTICA A LA CRÍTICA DEL ARTE Antes de 1400 d. C las imágenes fueron apreciadas y consideradas pero no valoradas estéticamente. Esto es pues que no eran consideradas como arte. Con la llegada de la modernidad al fin la estética es introducida dentro del sentido histórico del arte. Se une estética modernidad. Es el único que importa. Con el fin de la modernidad se acaban los manifiestos , los artistas y el arte toman nueva conciencia, la de la verdadera naturaleza del arte. Danto defiende la idea de que no hay un arte más verdadero que otro y de que éste o debe ser de una sola manera: “Todo arte es igualmente e indiferentemente arte”. De modo que con la llegada del pop llega el fin de la gran narrativa del arte. Una vez consolidado su final surgen dos consecuencias: 1º el arte ya no carga con la responsabilidad de su propia definición filosófica, es tarea que se queda para los filósofos de arte; y 2º, una definición filosófica debe capturar todo y no excluir nada, no puede haber dirección única artística que el arte pueda tomar a partir de ese punto. El arte ha tomado como punto de partida lo que quieran hacer los artistas y sus patrocinadores. El arte es muy ambiguo, y se necesita pues de una crítica ambigua de éste, que la crítica no dependa de una narrativa histórica que lo excluya. EL MUSEO Y LA PRÁCTICA ARTÍSTICA EN LA ÉPOCA POSHISTÓRICA El museo debe aceptar la ambigüedad de este y flexibilizarse a él, ha de concebirlo como uno más y adaptarse a la innovación, valorarlo como tal y vincularse con su fin, con el fin del arte.

COMENTARIO CRÍTICO: PACO POMET

Paco Pomet es un andaluz granadino nacido en 1970 que está revitalizando la pintura actual. Estamos ante un artista vanguardista, que dota sus obras de carga seria y humorística a la vez. Un humorismo al que le acompaña el surrealismo, con un desenfadado dadá, iconoclastia futurista, y que pone en crisis la verosimilitud de la fotografía. Los temas que encontramos en esta exposición son los automóviles, las ferias, la ciudad, la política, los deportes, etc. Todo ello impregnado del más puro ambiente de comienzos del siglo XX, y dotado de un carácter cómico y curioso, muy curioso. Su obra se llega a concebir como un juego a medida que va uno avanzando en la sala. Al principio es un “SHOCK” ( Yo no e venido a ver fotos de coches...-lo primero que se me pasó por la cabeza a primer vistazo- ¿esto es una foto o un cuadro? O.o ), el dominio de la técnica es impresionante, deja anonadados, y cuando posteriormente uno se aproxima y ve el juego de manchas y la monocromía que denota las formas reales, se puede apreciar los brochazos, la carga de materia, los planos, y todo ese conjunto que cuando uno se acerca mucho y ve caótico, al alejarse....VOILÁ está ahí, perfecto, como si de una fotografía se tratase, parece que se vaya a cortar uno con la chapa rota de la caravana.

Trata la obra como estudio del natural, combinándolo con lo real de la fotografía, que cuando ya hemos percibido todo del cuadro, nos choca con lo que realmente ahí hay. De modo que la exposición es como el juego de...”Busca a Wally”, pero en este caso es: “Busca lo desconcertante” que implícitamente se encuentra en la mayoría de los cuadros. Se convierte en un modo divertido de mirar un cuadro, sabes académicamente que está bien resuelto, pero cuando percibes tan real a los personajes de, por ejemplo, “Barrio Sésamo”, uno piensa que esto no puede ser, es onírico, gracioso e imposible. Es ahí donde está el encanto de su obra, cómo ha podido concebir la realidad de esa manera, tratando a veces temas tan fuertes como la política destructiva o la guerra y que de repente un toque de humor o color rompa los esquemas, haciendo amena la imagen ya sea escalofriante o de la época. Es evidente que el artista parte de fotografía para realizar sus obras, pero el sentido que les da es magnífico, está cargado de mensaje ya sea subliminal o explícito, es fascinante. Adopta una monocromía donde el color solo cobra valores simbólicos alejados de todo ilusionismo tradicional.

Observamos pues que en su obra interviene la realidad y la ficción, lo futurista y lo tradicional, el espectador se encuentra ante obras en las que necesita un determinado alejamiento para percibir lo que ahí sucede concretamente, pero hemos de saber que son imágenes modificadas que Pomet ha resuelto con intención y superado con creces. De manera que, lo que nos parece nefasto o narrativo, se torna en divertido y juguetón, y viceversa. Hace que el espectador reconstruya en significado de la imagen y a de más, que lo haga prescindiendo de toda categoría establecida anteriormente, y así sumergirnos en una nueva perspectiva de la realidad que hace al espectador pensar y observarlo todo, para que así resulte más difícil controlar todo lo que pasa en la obra. Así pues, cada espectador puede iinterpretar de una manera u otra el cuadro, dándole su propio punto de vista y vinculándolo con el propio Pomet.

En estas dos obras en especial me ha llamado mucho la atención el contraste de personajes y situación. En la del “monstruo de las galletas” que viaja en un coche moderno de ciudad con hombres de color, armados hasta las cejas, y el contraste de lo horripilante y devastador, con lo divertido y gracioso, la cara de alegría que lleva el personaje de “Barrio Sésamo” presidiendo lo que va a acabar en guerra, es espeluznante una vez analizada la obra.

Así como en el contraste del ejercito de soldados que se muestran en un bosque en pirámide amontonados, apelmazados unos contra otros, en el que difícilmente se encuentra a quien llamamos y conocemos todos "Epi y Blas", camuflándose con el resto de personajes en mitad de la muchedumbre. Con una fuerte carga social y un punto de vista humorístico, Pomet nos deleita con su obra, maravillosa y espectacular, amena y divertida, haciéndonos dudar de si es fotografía o es ficción, compartiendo con nosotros todo un juego de percepción y atención. He de decir que me ha encantado, que al entrar de repente me deje engañar por lo que pensaba era una foto, y conforme me acerqué, no podía creerlo, era pintura extendida en plano o con carga pero es pintura, Desconcertada e ilusionada he ido mirando y observando cada cuadro con entusiasmo y emoción sin poder asimilar lo que veía, me parece magnífica su ejecución e idea, es toda una innovadora manera de hacer pensar al espectador y sucumbirlo en el mundo de lo real y lo fantástico, de lo absurdo e imposible, de lo surrealista...

COMENTARIO CRÍTICO EXPOSICIÓN: MARÍA ACUYO

En esta exposición, en los cuadros que se nos ha podido ofrecer, encontramos claramente una paradoja, se establece una relación de formas con algo ya conocido. La obra producida por María Acuyo, y, esta en concreto, nos hacer asociar colores, manchas y formas, con lo ya conocido y real. Su trabajo a base de planos y capar de colores planos y fuertes, combinados por texturas y tramas delicadas, dotan a la obra de un carácter plástico y un lenguaje propio muy singular y acertado. La composición es insólita, cómo,partiendo de no más de tres colores básicos y combinándolos un poco entre sí, consigue que la composición y la forma hable por si misma. Considero relevante su técnica, ya que parece que es lo que más destaca, el juego de texturas y formas y su combinación, y a capacidad de recrear en nosotros lo ya conocido. En algunos de sus cuadro encontramos zonas, que, si hiciéramos efecto “zoom” apreciaríamos la materia y su base, y cómo se expande en algo parecido a los fractales. Esos pequeños “micro-mundos” nos invitan a observar desde cerca, previamente habiendo ya concebido el cuadro desde lejos, nos damos cuenta de que están surgiendo caminos, formas a libertad de materia, que nos hacen fantasear, creernos diminutos y poder pasear por esas dunas de color minúsculas y sumergirnos en ese infinito mundo de texturas y ramificaciones.

Todos los cuadros se dispones a mostrar una manera de trabajar minuciosa y disciplinada, la ocurrencia de círculos que nacen de otros y se ramifican en formas nuevas, las pequeñas tramas que sugieren raíces o por ejemplo en el caso determinado de este cuadro, compuesto por colores grises, rojos, blancos, negros y con pequeño atisbo de tono marrón, que nos hace sentir que percibimos un algo real, desde el interior de la tierra, parece aludir al nacimiento de una semilla, toda su metamorfosis vista desde el interior de la tierra, ese núcleo en ebullición cargado de fuerza en la zona central del lienzo que parece una mórula en desarrollo, las pepitas negras que la rodean, y esa especie de rama que surge de la parte superior izquierda, brotan cuan raíces en busca de su vida.

O este otro, al que se le atribuyen los mismo colores que los anteriores, un juego de color simple, pero cargado de expresividad y vida, acentuado por la composición, sus formas y texturas. En él, el fondo se degrada de abajo hacia arriba de oscuro a gris claro, acabando el tono medio (ese gris más oscuro) en formas como de sinapsis entre neuronas, como la conexión y forma de éstas y utilizando de antítesis la parte media del cuadro que va hacia la derecha. En un segundo plano encontramos una combinación de formas circulares en positivo y negativo que nos aportan sensación de transparencia, como de globo en el que parecen no suceder cosas pero suceden, formas efímeras y livianas resurgen de ellas, como humo contenido en una esfera transparente. La fuerza se encuentra en el primer y segundo plano, protagonizados por una forma circular dotada de formas planas y contrarrestada pos su otra mitad, llena de vida y vibración a la cual le sigue una mancha blanca y roja. Todo ello parece situarnos en un abismo entre el consciente y el subconsciente, en formas completamente abstractas que detonan formas implícitas que podríamos asociar a reales y/o figurativas. Parece el instante fugaz entre la vida y la muerte, la conciencia y la subconsciencia, que pende ingrávida en el submundo, perdida y desolada, pero llena de vida y potencia. Un mundo en el que nos dejamos caer y llevar por las fuerzas portentosas del color y las sugerentes formas de la realidad, una realidad pequeña pero poderosa.

En esta serie de cuatro lienzos se me sugiere un estado de vida. La metamorfosis de un bebe y su gestación partiendo desde una fase mórula a una de feto y finalmente una de embrión. Todo ello concebido con los colores anteriormente citados, sin abandonar el plano y la trama, haciendo sublime el sentido narrativo de la obra en una vertiente de lo más abstracta.